Una sensibilità per le cose

"Come si trova a stranamente l'uomo è in grado di trovare se stesso all'età di trenta-otto! Sua giovinezza appartiene al lontano passato. Tuttavia, il periodo di memoria che inizia con la fine della gioventù e l'estensione del presente ha lasciato lui non una sola impressione vivida. E, pertanto, egli persiste nel senso che nulla più di una fragile barriera lo separa dalla sua gioventù. Egli è eterno udienza con la massima chiarezza i suoni di questo dominio vicine, ma non c'è modo di penetrare la barriera ".
Yukio Mishima -

Una biografia d'autore Yukio Mishima

Tre volte nominato per il Premio Nobel per la letteratura, Yukio Mishima è considerato il più importante romanziere giapponese del ventesimo secolo, e fino a quando l'arrivo in tempi più recenti di Haruki Murakami e Banana Yoshimoto è stato lo scrittore con la più grande lettori al di fuori del Giappone.

Estremamente prolifico, nonostante una vita relativamente breve, ha prodotto quaranta romanzi, almeno venti libri di saggistica, poesia, diciotto svolge compresi moderno Kabuki e Noh drammi, alcuni dei quali li ha anche agito in, e un libretto. Era un astuto critico-un talento superiore valutato anche da alcuni di sua narrativa, e apparso in quattro film come un attore di alcune capacità, uno dei quali ha anche diretto e prodotto. Mishima è stato considerato l'unico autore del suo tempo di talento abbastanza per scrivere Kabuki svolge in modo tradizionale, un professore universitario di Kyoto da lui descritto come un uomo di "talento spaventoso".

Nato Kimitaké Hiraoka, è stato sequestrato dai suoi genitori e sollevato dalla sua nonna, l'unica della famiglia di samurai discesa, che sia instillato nel suo nipote un amore della letteratura, e secondo alcuni biografi, la malattia e la nevrosi. Molte sue opere letterarie rintracciare temi e le azioni più tardi a questi primi, difficili inizi.

A sedici egli assunse il nome di penna Yukio Mishima, in alternativa, una mossa spiegato come nascondere la sua scrittura da un anti-letterario padre e nascondere la sua vera età. Yukio deriva dalla parola Yuki, il che significa neve, e Mishima è una città conosciuta per il suo punto di vista delle cime innevate del Monte. Fuji.

Mishima essere evitato da conscripted l'esercito durante la Seconda Guerra Mondiale dopo essere stato falsamente diagnosticato con pleurite. Mentre uno studente di giurisprudenza presso l'Università Imperiale di Tokyo ha pubblicato la sua prima raccolta di racconti brevi, e l'anno successivo nel 1944 ha pubblicato il suo primo importante lavoro, la foresta in piena fioritura, una grande conquista per ogni scrittore giapponese come pochi libri sono stati pubblicati nel corso la guerra. La prima edizione di 4000 copie vendute entro una settimana.

Tutti i suoi romanzi contengono paradossi: la bellezza in contrapposizione con la violenza e la morte; l'anelito per l'amore e il suo rifiuto quando offerti; la dicotomia tra valori tradizionali giapponesi e la sterilità spirituale della vita contemporanea; paradossi egli stesso il suo incarnato, è stato iscritto in tutti i casi in semifinale -autobigraphical, a volte completamente.

Mishima più noti lavori comprendono la autobiografico Confessioni di una maschera, Il Tempio del Padiglione d'Oro e la tetralogia Il mare della fertilità, considerata da molti come il suo più duratura realizzazione-ha inviato il volume finale al suo editore il giorno della sua suicidio.

Alla fine del decadimento del Angel, l'ultimo volume del mare di fertilità, Mishima trasformato l'intera serie a testa in giù, un unico, accecante scoppio della prosa di minare il fondamento stesso di tutto ciò che è andato prima, una splendida trama-twist che l'autore tirato fuori brillantemente. Alcuni recensori suggeriscono che commettono seppuku iscritto immediatamente dopo tale passaggio è comprensibile, come uno potrebbe continuare a vivere dopo aver scritto qualcosa di così brillante?

Il termine per il decadimento del Angel è stato chiamato probabilmente il più scioccante che termina in tutti della letteratura, che è stata seguita da uno dei più scioccante di tutte le terminazioni vera vita di un autore che con veemenza non vuole invecchiare o ceduto in declino al primo posto del suo gioco, di età compresa tra 45; a seguito di un elaborato previsto ancora garantito a fallire tentativo di colpo di volte a ripristinare i valori tradizionali di una società giapponese ha voluto priva di loro, ha commesso suicidio rituale, il 25 novembre 1970.

"L'intera del Giappone era sotto una maledizione. Tutti corse dopo denaro. L'antica tradizione spirituale era sparita: il materialismo è stato l'ordine del giorno. Giappone moderno è brutto ".

Toshiro Mayuzumi, amico intimo di Mishima's per venti anni, ha spiegato: "Era un uomo d'azione. La sua morte è stato il suicidio di un tentativo di cambiare il mondo, almeno per stimolare dal richiamare l'attenzione dei ragionevole per la popolazione circostante incongruenze dopoguerra il Giappone, la Costituzione, il Self-Defense Forces, l'istruzione, decadimento morale ".

Amico, ex seguace e compagni di Yasunari Kawabata romanziere Mishima onorato con la dicitura "uno scrittore di [Mishima's] calibro appare solo una volta ogni 200 a 300 anni". Kawabata ironia della sorte ha vinto il Premio Nobel per la Letteratura due anni prima, nel 1968, il primo giapponese a ricevere un premio a lungo dovrebbe essere Mishima's.

Il suo funerale è stato frequentato da 10000, il più grande del suo genere mai svoltasi in Giappone, e il suo commento sulla Hagakure-il codice morale insegnato a-samurai immediatamente divenne un best-seller.

Mishima scrisse nel suo diario "Tutto ciò che è desiderio di bellezza." Un organismo dedicato-costruttore, praticante di Karate e Kendo maestro, egli ha cercato in tutta la sua vita a farsi più bello, e forte. Egli ha visto la bellezza come una forma di purezza, che potrebbe anche essere realizzata attraverso nobile azione, e la morte.

"Se noi in modo molto valore la dignità della vita, come possiamo non anche il valore della dignità della morte? La morte non può essere chiamato inutile ".

Video di Yukio Mishima condurre la Yomiuri Nippon Symphony Orchestra

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Significato letteralmente "una sensibilità alle cose," mono non è a conoscenza di un concetto coniato da giapponese letteraria e linguistica studioso Motoori Norinaga nel diciottesimo secolo per descrivere l'essenza della cultura giapponese, e rimane centrale artistico imperativo in Giappone a questo giorno. La frase è derivato dalla parola consapevole, che in Giappone Heian significato o la tristezza sensibilità, e la parola mono, vale a dire le cose, e descrive la bellezza come una consapevolezza della transitorietà di tutte le cose, e una dolce tristezza al loro passaggio. Può anche essere tradotto come "ah-ness" delle cose, della vita e di amore.

Mono non ha dato il nome a conoscenza di un valore estetico che già esisteva in giapponese arte, musica e poesia, la fonte delle quali può essere tracciato direttamente per l'introduzione del buddismo zen nel dodicesimo secolo, una filosofia spirituale e pratica che profondamente influenzato tutti gli aspetti della giapponese cultura, ma soprattutto l'arte e la religione. La natura fugace della bellezza descritta da mono a conoscenza non deriva dai tre stati di esistenza in filosofia buddhista: unsatisfactoriness, impersonalità e, cosa più importante in questo contesto Impermanence.

Secondo mono non consapevole, una caduta o avvizzimento autunno fiore è più bello di uno in piena fioritura, una dissolvenza del suono più bello di uno sentito chiaramente. Il Sakura o albero di ciliegio in fiore è l'epitome di questa concezione della bellezza; i fiori delle più famose varietà, somei Yoshino, circa tinged puro bianco con un sottile di colore rosa, fiore e quindi rientrano in una singola settimana. L'oggetto di un migliaio di poesie e di una icona nazionale, l'albero di ciliegio in fiore incarna la bellezza per il Giappone come uno transitoria esperienza.

Mono non consapevole che la bellezza è soggettiva piuttosto che obiettivo esperienza, uno stato d'essere in ultima analisi interna piuttosto che esterna. Basato su gran parte greca classica ideali, la bellezza in Occidente è chiesta l'ultima perfezione di un oggetto esterno: un sublime pittura, scultura o perfetto intricata composizione musicale, una bellezza che si potrebbe dire di essere solo la pelle in profondità. I giapponesi ideale di bellezza vede invece come una esperienza del cuore e anima, un sentimento di apprezzamento e di oggetti-opere d'arte o più comunemente natura o la rappresentazione di uno incontaminato in, intatto Stato.

Un apprezzamento della bellezza come uno stato che non ultimo e non può essere colto non è la stessa come nichilismo, e può essere meglio compreso in relazione al buddismo zen della filosofia della trascendenza terrena: un anelito spirituale di ciò che è infinito ed eterno - la fonte ultima di tutte le bellezze del mondo. Come il monaco Sotoba scritto nella ZENRIN Kushu (Poesia del ZENRIN Tempio), Zen non riguarda nulla come uno stato di assenza, ma piuttosto l'affermazione di ciò che è invisibile, dietro esistenti spazio vuoto: "Tutto esiste nel vuoto: fiori, la luna nel cielo, uno splendido scenario. "

Con le sue radici nel buddismo zen, mono non porta a conoscenza alcuni relazione alla non-dualismo della filosofia indiana, in quanto connessi nei seguenti storia di Swami Vivekananda dallo Sri Chinmoy:

"Bellezza", spiega [Vivekananda], "non è esterno, ma già nella mente." Qui ci sono ricordato di ciò che la sua figlia spirituale Nivedita ha scritto sul suo Maestro. "Era buio quando abbiamo affrontato la Sicilia, e contro il cielo del tramonto, l'Etna è in lieve eruzione. Come siamo entrati lo Stretto di Messina, la luna rosa, e ho camminato su e giù per il ponte accanto alla Swami, mentre egli soffermato sul fatto che la bellezza non è esterno, ma già nella mente. Da un lato la aggrottò le sopracciglia scure falesie della costa italiana, dall'altro, l'isola è stata toccata con la luce d'argento. 'Messina deve ringraziare me,' ha detto, 'sono io che darle tutta la sua bellezza.' "In verità, in mancanza di apprezzamento, la bellezza non è la bellezza a tutti. E la bellezza è degno di questo nome solo quando è stato apprezzato.

Estratto da Vivekananda: An Ancient Silence-Cuore e un moderno Dinamismo Vita da Sri Chinmoy.

Il fondatore di mono non consapevole, Motoori Norinaga (1730-1801), è stato pre-eminente studioso del Kokugakushu movimento, un movimento nazionalista che ha cercato di rimuovere tutte le influenze al di fuori di cultura giapponese. Kokugakushu è stato enormemente influente in arte, poesia, musica e filosofia, e responsabile per la ripresa durante la Tokugawa periodo della religione scintoista. Contraddittoriamente, l'influenza delle idee buddista e pratiche su arte e anche lo Shintoismo è stato così grande che, anche se il buddismo è tecnicamente uno influenza esterna, è stato da questo punto non può essere extricated.

Una tendenza più che un genere a sé stante, Poetica Realismo era un attivo altamente influente ancora di breve durata in movimento del cinema francese del 1930, un breve scoppio di lirismo inserita tra le bludgeoning orrori di due guerre mondiali. A differenza di montaggio sovietico o impressionismo francese, poetico realismo non è mai stato un movimento unificato o ideologia, piuttosto di una concepì scioltamente sensazione e evocazione: poetico, otherworldly a volte, ancora impegnati a dimostrare la realtà ", come è stato" un cinema di vita e di cuore.

Nonostante il fatto che egli ha vissuto solo per fare quattro film, regista Jean Vigo è accreditato con il fondatore poetico realismo, in primo luogo con zero de conduite (1933), un insolitamente realistico evocazione di un infanzia infelice che è stato vietato dalla censura, e il suo capolavoro, L 'Atalante (1934).

Omonimo di una dea greca, L'Atalante è stato ricavato da un semplicistico storia assegnato al direttore da parte dei distributori di Gaumont, ma Vigo è completamente trasformato, che impiegano il sogno della cinematografia russa-nato Boris Kaufman, che dopo il lavoro a Hollywood e uno surreale, stile poetico mai visti prima al cinema.

Sulla superficie di un semplice racconto romantico-due sposi novelli su un fiume chiatta da crociera che lotta, separati e quindi sono riuniti-L'Atalante è un capolavoro, per come New Wave regista François Truffaut descrive, in riprese prosaico parole e gli atti, Vigo fatica raggiunto poesia.

Separato dalla moglie, il marito sconvolto immagina il suo riflesso nell'acqua. Contemporaneamente, partì moglie incontra orrore dopo orrore per le strade di epoca Depressione-Parigi; mendicanti e ladri sono ovunque, gli uomini indesiderati approcci e la sua borsetta è stato rubato-persone e di tutte le azioni di un suggestivo rotto e interiore insoddisfatti Stato. Nel profondo rammarico che forlornly ma fruitlessly ricerche per il marito e la chiatta-scatti del suo desiderio di lui in silenzio. Con la possibilità di un membro d'equipaggio scopre la sua e la coppia sono riunificata.

Anche se molto poetica, L'Atalante è anche terra, in realtà, il direttore alternando il dolce-amaro racconto della separazione e la riconciliazione con unflinching immagini di sabbia e la bruttezza della vita quotidiana, una pratica mai visti prima nel cinema contemporaneo, che si trova di solito nella artificiale e fantastica e raro anche oggi. Il film è suggestiva della concezione giapponese della bellezza, non a conoscenza mono (una sensibilità alle cose), in cui la bellezza è detto ad esistere anche nel suo opposto, ciò che è brutto come promemoria della bellezza assente.

Critico Hal Hinson si spinge fino a suggerire Vigo di realismo poetico è altro mondo ispirato:

"C'è innocenza e tale invenzione a Vigo di stile qui che il film sembra meno consapevolmente costruito uno opera d'arte di uno emanazione".

Egli continua: "L'umore Vigo crea qui è una sorta di malinconia incantato, e ci sentiamo immersi in essa ... L'effetto è quasi stupefacente. L'immagine sembra andare alla deriva, e anche se quasi nulla sembra essere accadendo, i nostri sensi sono fissate ad un livello elevato, come se ci fosse addormentato completamente sveglio e allo stesso tempo. Vigo si sposta in avanti il racconto poetico dalla associazione; c'è una logica per il modo in cui è ordinato, ma i collegamenti sono impercettibili. Sono organizzati dalla sensazione, non l'intelletto. "

Jean Vigo

Mentre L'Atalante di Vigo era così ammalato che ha rischiato di crollo costantemente, e anche alcune scene dirette da una barella. Remarking il direttore dello stato d'animo in questo periodo, Truffaut suggerisce che "E 'facile concludere che egli si trovava in una sorta di febbre, mentre ha lavorato", e quando un amico consiglia Vigo di custodire il suo stato di salute, il direttore ha risposto che ", Egli mancava il tempo e hanno dovuto abbandonare tutto e subito".

A causa del livello elevato di realismo impiegato nel suo film-spesso per effetto unflattering-Jean Vigo è stato accusato di essere unpatriotic, il suo lavoro fortemente censurato dal governo francese. L'Atalante non è mai stata completamente restaurata dalla macelleria ha ricevuto da distributori, che ha tentato di aumentare la sua popolarità, riducendo il tempo di esecuzione e cambiando il titolo a Le Chaland Qui Passe (Il Passaggio di Barge)-il nome di una popolare canzone inserita come un ascia in un film. L'Atalante è stato pubblicizzato come "un film ispirato dalla celebre cantata in modo mirabile brano da Lys Gauty ".

Jean Vigo morì di complicazioni da tubercolosi nel 1934 solo 29 di età, solo pochi giorni dopo le prime deludenti cinematico esecuzione di L'Atalante. La sua amata moglie Lydou, situata accanto a lui come morì, si è alzato dal letto e corse giù un lungo corridoio in una stanza alla fine. Amici catturati lei come lei stava per saltare fuori una finestra.

Vigo è stato descritto come l'epitome della radicale, appassionato di film-maker che combatte ogni passo del modo minore nei confronti di immaginazione e di sensibilità, ed è forse per fortuna non hanno vissuto per vedere il suo capolavoro così barbaramente violato a pezzi. La storia ha visti Vigo di lavoro più favorevole, con L'Atalante essere classificato come il più grande film 10a di tutti i tempi in un 1962 Sight & Sound sondaggio, con un aumento al 6 migliori nel 1992.

L'Atalante, insieme con opere analoghe di realismo poetico contemporanei da Jean Renoir e Marcel Carné, notevolmente cambiato il corso di francese e cinema mondiale, che conduce direttamente presso lo Stato Italiano Neorealismo movimento della fine del 1940, e la New Wave francese (la Nouvelle Vague ) Degli anni 1950 e'60, che a sua volta ispirato un crescente senso di realismo nel cinema di Hollywood. Molti dei Neorealismo e Nouvelle Vague direttori lavorato alla serie di film realista poetico prima di iniziare la propria carriera, e allusioni a Jean Vigo e L'Atalante può essere trovato in molte delle loro opere.

Il restauro di L'Atalante di Jean Vigo

Link correlati

• Jean Vigo: L'Atalante a guardian.co.uk
• Jean Vigo da Massimiliano Le Caino, sensesofcinema.com
• Zéro de conduite a Google Video